introduction dissertation sur le theatre

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Par dissertation   •  7 Décembre 2013  •  686 Mots (3 Pages)  •  8 046 Vues

FICHE RÉSUMÉ SUR LE THÉÂTRE

1 : Introduction : Le genre théâtral compose une grande partie de la Littérature, et ce, depuis l'antiquité jusqu'à aujourd'hui. Le théâtre, qu'il soit lu ou représenté présente une spécificité : il peut être argumentatif ou polémique entre autres. Le théâtre est une forme vivante de littérature, qui se prête à défendre des idées, de par ses dialogues qui peuvent adopter une forme argumentative, et par sa double énonciation. Il permet ainsi une opposition à certaines idées de façon plus ou moins détournée et est accessible à tous. Mais le théâtre n'est pas lu ou écouté de façon assez attentive, tournée vers les arguments de l'auteur. En effet, le théâtre se présente comme un divertissement. De plus l'auteur doit faire face à la censure et aux malentendus avec les spectateurs. Les pièces mettent souvent en scène des conflits : les conflits comiques se révoltent en rires, les conflits tragiques exigent le plus souvent la mort du personnage principal.

2 : Un support idéal pour défendre des idées : Pour l'auteur le théâtre se présente comme un support idéal pour présenter et défendre ses idées par sa forme propre permettant d'utiliser le registre polémique, et la double-énonciation ( le personnage ou acteur s'adresse non seulement aux autres personnages présents sur scène, faisant avancer l'intrigue, mais aussi au spectateur ) ; à travers cette forme, il peut se permettre une opposition plus ou moins importante face à la société puisqu'il parle parle à travers un personnage. Enfin, le théâtre est accessible à tous, et permet une spectaculaire propagation des idées, par support écrit et surtout oral.

La double énonciation permet à l'auteur de s'impliquer d'avantage dans ses propos : une opposition plus ou moins importante à la société lui est permise. Il emploie un moyen détourné en impliquant ses idées dans la tirade d'un de ses personnages. Les monologues notamment permettent une réflexion plus profonde sur la société, puisque le personnage est face à lui-même ( et au spectateur ) : Longue tirade de Figaro dans le Mariage de Figaro qui conteste l'ordre sociale.

Un autre avantage du théâtre semble être sa facilité d'accès à la majorité de la population : se propageant par deux modes, et principalement par celui qui consiste à être représenté. Le théâtre s'ouvre à un public plus large. Les idées de l'auteur peuvent ainsi être mieux répandues. L'observation des pièces de Molière confirme cet aspect. Molière – grand dramaturge et comédien – a crée un grand nombre de comédies-critiques où il montre les défauts de la société. L'Avare de par son genre, une comédie classique, se rend accessible aisément et les spectateurs ont ainsi accès aux idées de Molière, à ses critiques.

3 : Un support peut être pas si idéal ? : Le théâtre n'est peut être pas un support si idéal pour exposer des idées : le spectateur peut ne pas les prendre au sérieux voire pire, ne pas les comprendre : les pièces peuvent être censurées : Les pièces de Molière comiques sont sensibles vis-à-vis du lecteur. Les rires

Dissertation : introduction et conclusion

Méthodologie

Voici des repères méthodologiques pour réussir votre introduction et votre conclusion de dissertation.

• Ces deux paragraphes, aux seuils de votre copie, doivent être travaillés avec soin.
• Ce sont les seuls qu’il est vivement recommandé de rédiger au brouillon avant de les écrire sur la copie.
• Nombreux sont les correcteurs qui lisent l’introduction puis la conclusion avant de passer au développement. Ces deux paragraphes permettent ainsi de se forger une première image de la copie, donc une idée de la note finale, que le développement viendra compléter.

On gagne à rédiger, ou du moins à avoir une idée de la conclusion avant de réaliser l’introduction. En effet, ces deux passages stratégiques du devoir doivent être pensés ensemble.

Introduction et conclusion : des paragraphes en miroir

Ces paragraphes se répondent comme suit :

• Amorce en tout début d’introduction / ouverture en toute fin de conclusion
• Énoncé et problématisation du sujet au cœur de l’introduction / bilan synthétique qui répond à la question posée par le sujet au cœur de la conclusion
• Annonce du plan en fin d’introduction / bilan de chaque partie du développement en début de conclusion

Exemple de sujet

Le théâtre est-il toujours un lieu de conflit ?

Ce sujet sert d’exemple à une méthodologie complète de la dissertation proposée sur Lettrines, avec une copie d’élève en guise d’illustration. J’extrais ici de cette méthodologie une conclusion et une introduction possibles.

En conclusion, nous avons vu qu’au théâtre, le conflit revêtait des formes diverses et nombreuses, dans la mesure où il s’agit de représenter les luttes entre les hommes, mais aussi les troubles et les dilemmes qui agitent la conscience. C’est également un élément essentiel à la dynamique de la pièce, ainsi qu’aux aux effets qu’elle produit sur le spectateur, tant dans la comédie que dans la tragédie. Mais le théâtre repose tout autant sur la résolution des conflits : lorsqu’ils prennent fin, que les cœurs s’en trouvent apaisés, voire réjouis, ou non, la pièce prend souvent tout son sens. Si toute œuvre théâtrale tend donc vers un dénouement qui met fin aux antagonismes, le théâtre est toujours un lieu de conflit. Même si le spectacle théâtral est aujourd’hui vu essentiellement comme un divertissement, il conserve la dimension civique et sociale présente dès sa naissance dans la Grèce antique, grâce à la mise en scène des conflits entre les hommes.

Introduction

Les premiers dramaturges de l’histoire du théâtre, qui s’opposent dans des compétitions lors des cérémonies dionysiaques, choisissent leurs sujets dans les récits mythologiques de leur temps ; ils sélectionnent en particulier les épisodes conflictuels qui opposent les hommes entre eux, ou qui les confrontent à la volonté des dieux. Aujourd’hui encore, le spectacle théâtral donne à voir les affrontements entre les hommes. Mais le théâtre est-il toujours un lieu de conflit ? Ainsi posée, cette question présuppose que le conflit est souvent un élément essentiel du spectacle théâtral. À ce titre, notre réflexion devra en examiner la place, le sens, ainsi que la forme, car ce terme, simple en apparence, peut recouvrir de nombreuses réalités et significations. Mais l’interrogation, qui porte sur l’adverbe “toujours”, suggère aussi que le théâtre pourrait être un lieu où se dénouent les tensions, voire, d’où le conflit est absent. Nous nous efforcerons donc de répondre à cette question en étudiant, en premier lieu, les différentes formes de conflits au théâtre. Puis nous nous interrogerons sur le rôle que joue le conflit dans une pièce. Enfin, nous nous demanderons si la scène n’est pas le lieu où les conflits se résolvent et prennent sens.

Conclusion expliquée

Bilan de chaque partie En conclusion, nous avons vu qu’au théâtre, le conflit revêtait des formes diverses et nombreuses, dans la mesure où il s’agit de représenter les luttes entre les hommes, mais aussi les troubles et les dilemmes qui agitent la conscience. C’est également un élément essentiel à la dynamique de la pièce, ainsi qu’aux aux effets qu’elle produit sur le spectateur, tant dans la comédie que dans la tragédie. Mais le théâtre repose tout autant sur la résolution des conflits : lorsqu’ils prennent fin, que les cœurs s’en trouvent apaisés, voire réjouis, ou non, la pièce prend souvent tout son sens. Bilan synthétique Si toute œuvre théâtrale tend donc vers un dénouement qui met fin aux antagonismes, le théâtre est toujours un lieu de conflit. Ouverture Même si le spectacle théâtral est aujourd’hui vu essentiellement comme un divertissement, il conserve la dimension civique et sociale présente dès sa naissance dans la Grèce antique, grâce à la mise en scène des conflits entre les hommes.

Introduction expliquée

Amorce : pensez à partir d’un terme du sujet ; choisissez une idée qui entre en résonance avec le sujet, et qui montre que vous avez compris ce dont il est question. Généralement, on trouve une amorce au fil de la réflexion, parfois à la fin de l’étape de conception du devoir au brouillon. Cela peut aussi être une citation. L’amorce tient lieu de “captatio benevolentiae” : elle vise à rendre favorable le premier jugement de votre correcteur. Les premiers dramaturges de l’histoire du théâtre, qui s’opposent dans des compétitions lors des cérémonies dionysiaques, choisissent leurs sujets dans les récits mythologiques de leur temps ; ils sélectionnent en particulier les épisodes conflictuels qui opposent les hommes entre eux, ou qui les confrontent à la volonté des dieux. Aujourd’hui encore, le spectacle théâtral donne à voir les affrontements entre les hommes. Énoncé du sujet, avec l’ajout de l’adversatif “mais”, pour mettre du liant. Mais le théâtre est-il toujours un lieu de conflit ? Explicitation, problématisation du sujet Ainsi posée, cette question présuppose que le conflit est souvent un élément essentiel du spectacle théâtral. À ce titre, notre réflexion devra en examiner la place, le sens, ainsi que la forme, car ce terme, simple en apparence, peut recouvrir de nombreuses réalités et significations. Mais l’interrogation, qui porte sur l’adverbe “toujours”, suggère aussi que le théâtre pourrait être un lieu où se dénouent les tensions, voire, d’où le conflit est absent. Annonce du plan Nous nous efforcerons donc de répondre à cette question en étudiant, en premier lieu, les différentes formes de conflits au théâtre. Puis nous nous interrogerons sur le rôle que joue le conflit dans une pièce. Enfin, nous nous demanderons si la scène n’est pas le lieu où les conflits se résolvent et prennent sens.

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Sujets de dissertation sur le théâtre

Le théâtre est un genre littéraire particulier, qui est très souvent étudié au lycée et notamment en classe de première en vue des épreuves anticipées de français.

Credit Photo : Chavagne.fr

 Nous vous donnons ici dix idées de sujets de dissertation sur le sujet du théâtre, avec quelques idées de développements intéressants à mener.

1)    En quoi le théâtre est-il différent des autres genres littéraires ?

2)    « le théâtre n'est fait que pour être vu » (molière). cette affirmation est-elle vraie .

Commenter une citation n’est pas chose facile, mais ce sujet est néanmoins intéressant car il s’articule autour de l’essence même du théâtre, dans sa fonction centrale de représentation , qui le distingue exactement des autres genres littéraires. Il sera ici intéressant d’essayer d’opter pour une approche Thèse / Antithèse / Synthèse, qui permettra d’explorer le rôle du théâtre en profondeur.

3)    Quelles sont les fonctions des costumes et des décors au théâtre ?

Ce sujet invite l’élève à la réflexion sur le rôle des apparats encadrant la production d’un texte, au théâtre, qui viennent apporter une véritable plus-value. Insister sur la fonction représentative du théâtre est la clé pour ce sujet qui semble facile en apparence, mais qu’il conviendra de bien articuler pour produire une dissertation de bonne qualité.

4)    Le théâtre n’est-il que divertissement ?

La réflexion centrale ici concerne la diversité des rôles et des fonctions qui sont assignées au théâtre, avec certes une fonction divertissante, mais aussi de nombreuses autres fonctions comme par exemple celle de catharsis, ou encore celle de provoquer la réflexion.

5)    En quoi la représentation théâtrale constitue-t-elle un apport intéressant au texte théâtral ?

Le texte théâtral peut être lu ou être étudié sans nécessairement faire l’objet d’une représentation. Néanmoins, une représentation théâtrale apporte de nombreux éléments au texte considéré seul. Quels sont ces éléments ? Que vient apporter la représentation en matière d’illustrations, d’émotions, de décors, d’intonations ? Il est intéressant ici pour l’élève de mentionner des pièces théâtrales pour lesquelles il a assisté aux représentations, en indiquant quelles ont été les découvertes réalisées dans ce cadre, et les apports qu’il a pu observer.

6)    Le théâtre est il uniquement l’art de l’artifice ?

Dans un tel sujet, la clé sera de montrer que le théâtre use et abuse de l’art de l’artifice, mais que celui-ci n’est pas une fin en soi, mais un moyen d’illustrer ses idées, son texte, ses propos, et de transmettre ses idées. Le théâtre a une fonction beaucoup plus vaste que seulement celle d’être un artifice, et une telle considération serait fortement réductrice.

7)    Le théâtre est-il la meilleure tribune pour défendre ses idées ?

Ce sujet vise à s’interroger sur la fonction de transmission des idées par le biais du théâtre, tout en faisant sa comparaison avec d’autres genres littéraires, comme par exemple le roman ou la nouvelle. On peut ici partir de plusieurs exemples concrets pour lesquels on estime que l’auteur parvient de façon efficace à transmettre ses idées, dans plusieurs genres littéraires différents. Cela permettra de montrer que, si le théâtre peut être une tribune intéressante et efficace de défense de ses opinions, d’autres genres littéraires le sont aussi. Il s’agit ici d’un sujet un peu transversal qui demande une bonne maîtrise de plusieurs genres littéraires, et ne se limite pas au théâtre.

8)    Quelles sont les spécificités de la Comedia dell’Arte ?

La Comedia dell’Arte est souvent étudiée pour montrer en quoi elle a permis au théâtre de transmettre des idées sous couvert de divertissement et de grotesque. On pourra ici mentionner les fonctions de la Comedia dell’Arte ainsi que les moyens qu’elle déploie pour parvenir aux objectifs qu’elle s’est fixée. On peut également insister sur le fait que plusieurs niveaux de compréhension et d’analyse sont possibles et disponibles, selon les connaissances et l’éducation du lecteur ou du spectateur.

9)    En quoi Rhinocéros de Ionesco est il une apologie de l’absurde ?

Rhinocéros, de Ionesco , est souvent décrit comme étant l’une des pièces les plus absurdes du théâtre moderne, dans laquelle il ne se passe quasiment rien. Elle est souvent décrite comme une pièce ennuyeuse qui pousse les limites du théâtre absurde au-delà de l’acceptable, et certaines de ses représentations ont fait l’objet de vives critiques de la part de spectateurs ennuyés voire désabusés.

10)     En quoi le théâtre de Molière marque-t-il une rupture dans le genre théâtral, en comparaison avec ses prédécesseurs ?

Molière a apporté un souffle nouveau au genre théâtral , en poussant certains procédés de façon très avancée : le grotesque, le ridicule, la catharsis, etc. Il marque ainsi une rupture franche d’avec ses prédécesseurs et surtout d’avec le théâtre antique.

Notions de Théâtre Pour une Dissertation | Superprof Bac français 2015, séries S et ES, corrigé de la dissertation (etudes-litteraires.com) Dissertation : introduction et conclusion - Lettrines

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S’entraîner à la dissertation sur le théâtre

par Valentine | Déc 20, 2013 | Blog | 0 commentaires

ATTENTION, cette fiche, conservée ici pour mémoire, concerne la dissertation telle qu’elle se présentait dans les anciennes épreuves du bac français (jusqu’à la session de juin 2019).

LA DISSERTATION EST DIFFÉRENTE DANS LES NOUVELLES ÉPREUVES (à partir de la session de juin 2020) : réservée aux élèves de série générale, elle portera sur une oeuvre et son parcours étudiés en cours d’année.

>> Voir la définition officielle des nouvelles épreuves écrites et orales et, sur ce site, la fiche méthode de la dissertation sur oeuvre et parcours .

Voici six sujets de dissertation « classiques » sur l’objet d’étude « Théâtre » : vous pouvez en choisir un ou deux sur lesquels vous entraîner à la construction d’un plan, voire à la rédaction (de l’introduction, d’une partie…).

« On sait bien que les comédies ne sont faites que pour être jouées, et je ne conseille de lire celle-ci qu’aux personnes qui ont des yeux pour découvrir dans la lecture tout le jeu du théâtre », écrit Molière dans la Préface de l’ Amour médecin . Discutez cette affirmation.

[Attention : le nom « comédie » du temps de Molière désignait toutes sortes de pièces de théâtre].

« Je n’ai pas dit que la parole ce n’était rien… J’ai dit que le théâtre n’était pas limité à la parole ». Vous expliquerez ce propos d’Antonin Artaud dans Le Théâtre et son double (1938), et, après avoir dégagé les autres éléments qui entrent en jeu dans la représentation théâtrale, vous en préciserez les rôles respectifs.

Quelles sont les fonctions du costume au théâtre ?

Un critique a écrit que « Le théâtre est le lieu de l’invraisemblance par excellence ; c’est d’ailleurs ce que vient y goûter le public. » Vous discuterez cette affirmation.

Dans un ouvrage général sur le théâtre de Jean Duvignaud et Jean Lagoutte, il est écrit que le vrai public est celui qui va au théâtre pour « passer une soirée ». Pensez-vous aussi que le théâtre n’est qu’un divertissement ?

Exprimer et défendre des idées, est-ce l’ambition du théâtre ?

QUELQUES CONSEILS

*Pour la méthode, en particulier l’organisation du plan, pensez à utiliser votre fiche sur la dissertation.

*Avant de commencer, faites la liste de tout ce que vous connaissez en théâtre : les pièces que vous avez lues depuis le collège, celles que vous avez vues en spectacle, et surtout celles que vous avez étudiées en 2de et 1re. Ce sont elles qui vous serviront d’exemples et qui vous aideront à trouver des idées.

Si vous vous apercevez que votre culture théâtrale est insuffisante, essayez de compléter par quelques lectures (choisissez dans les rubriques qui vous manquent !) :

–       Une tragédie de l’Antiquité (par exemple Œdipe-roi de Sophocle),

–       Une tragédie du XVIIe siècle (par exemple Le Cid de Corneille et/ou Phèdre de Racine),

–       Une comédie de Molière – XVIIe siècle (par exemple Dom Juan , Le Misanthrope , L’École des femmes , Tartuffe …),

–       Une comédie du XVIIIe siècle (par exemple Le Jeu de l’amour et du hasard de Marivaux et/ou Le Mariage de Figaro de Beaumarchais),

–       Un drame romantique – XIXe siècle (par exemple On ne badine pas avec l’amour ou Les Caprices de Marianne de Musset et/ou Ruy Blas ou Hernani de Victor Hugo),

–       Une réécriture de mythe antique au XXe siècle (par exemple Antigone d’Anouilh, ou La Machine infernale de Cocteau ou Électre de Giraudoux),

–       Une pièce de « théâtre de l’absurde » – XXe siècle (par exemple La Cantatrice chauve d’Ionesco ou En attendant Godot de Beckett).

Þ Il est souvent possible de trouver sur internet (ou en bibliothèque) des vidéos de mises en scène professionnelles de ces pièces, ou d’autres… n’hésitez pas à les regarder… ou encore mieux, allez au théâtre !

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Dissertation sur le théâtre : tout ce qu'il faut savoir !

Par Mathieu

Rédigé le 16 February 2024

7 minutes de lecture

• 01. Exemples de sujets de dissertation sur le théâtre ?
• 02. Le genre théâtral : un support idéal pour s'exprimer ? ?
• 03. Les éléments importants au théâtre ✏️
• 04. Les grandes figures du théâtre ?

Rien de plus futile, de plus faux, de plus vain, de plus nécessaire que le théâtre. Louis Jouvet

? Le genre théâtral compose une grande partie de la littérature, et ce, depuis l' Antiquité jusqu'à aujourd'hui. Qu'il soit lu ou représenté, il est est une forme vivante , qui se prête à défendre des idées, de par ses dialogues qui peuvent adopter une forme argumentative, et par sa double énonciation.

De plus, il permet ainsi une opposition à certaines idées de façon plus ou moins détournée et est accessible à tous. Mais le théâtre n'est pas lu ou écouté de façon assez attentive, tournée vers les arguments de l'auteur. En effet, le théâtre se présente comme un divertissement .

➡️ Voici trois sujets de dissertation pour maîtriser le sujet sur le bout des doigts !

Exemples de sujets de dissertation sur le théâtre ?

1️⃣ la mise en scène comme outil de réinterprétation : entre fidélité au texte et innovation artistique.

La mise en scène théâtrale est un processus complexe où le metteur en scène doit naviguer entre la fidélité au texte original et son interprétation artistique .

D'une part, le metteur en scène doit respecter l'intention de l'auteur et les éléments clés du texte, tels que les dialogues, les personnages et les thèmes.

Cependant, il a également la liberté d'apporter sa propre vision créative à la production, en utilisant des techniques de mise en scène, des décors, des costumes, des éclairages et des effets sonores pour enrichir l'expérience théâtrale.

Cette tension entre fidélité au texte et innovation artistique soulève des questions importantes sur le rôle du metteur en scène et sur la manière dont les spectateurs interprètent une œuvre théâtrale.

➡️ Certains peuvent préférer des productions fidèles au texte original, tandis que d'autres peuvent être attirés par des interprétations audacieuses et provocantes. Dans tous les cas, la mise en scène théâtrale offre un espace unique où les artistes peuvent exprimer leur créativité tout en rendant hommage au travail de l'auteur.

2️⃣ Le théâtre comme espace de contestation politique : entre liberté d'expression et censure

✊? Le théâtre a toujours été un moyen puissant de remettre en question les normes sociales et politiques établies, et il a souvent été utilisé comme un outil de contestation politique. Les dramaturges ont abordé une gamme de sujets controversés, tels que la tyrannie, l'injustice sociale, la discrimination et la corruption, en mettant en scène des histoires qui reflètent les réalités de leur époque.

✋Cependant, cette utilisation du théâtre comme forme de protestation n'est pas sans risques. Dans de nombreux cas, les artistes ont été confrontés à la censure et à la répression de la part des autorités, qui voyaient dans le théâtre un moyen de mobiliser les masses et de remettre en question leur autorité.

Malgré ces obstacles, de nombreux dramaturges ont continué à utiliser le théâtre comme une plateforme pour défendre la liberté d'expression et promouvoir le changement social et politique.

➡️En fin de compte, le théâtre reste un espace vital pour la contestation politique, offrant aux artistes la possibilité de donner une voix aux voix marginalisées et de défier les injustices de la société.

3️⃣ En quoi le théâtre est-il un genre littéraire à part ?

Le théâtre se distingue des autres formes littéraires par sa nature performative et son potentiel interactif avec le public.

Contrairement à la poésie ou au roman, le théâtre est conçu pour être joué sur scène , avec des acteurs incarnant les personnages et interagissant en direct avec les spectateurs.

? Cette dimension performatrice confère au théâtre une énergie et une intensité uniques , permettant aux spectateurs de vivre une expérience immersive et émotionnelle.

De plus, le théâtre repose souvent sur le dialogue et l'action pour raconter une histoire, ce qui le distingue des autres formes littéraires qui peuvent se concentrer davantage sur la description et la narration.

Les dramaturges doivent créer des dialogues dynamiques et des situations dramatiques pour maintenir l'attention du public et susciter une réponse émotionnelle.

? En outre, le théâtre est également influencé par des éléments visuels et sonores , tels que la mise en scène, les décors, les costumes, la musique et les effets sonores, qui enrichissent l'expérience théâtrale et contribuent à la construction de l'univers de la pièce.

➡️ En somme, le théâtre combine les éléments littéraires avec la performance en direct pour créer une forme d'art unique qui engage les spectateurs de manière directe et immersive.

Où trouver des cours de français en ligne ?

Le genre théâtral : un support idéal pour s'exprimer ? ?

Un support idéal pour défendre des idées ?

Pour l'auteur, le théâtre se présente comme un support idéal pour présenter et défendre ses idées par sa forme propre.

?À travers cette forme, il peut se permettre une opposition plus ou moins importante face à la société puisqu'il parle à travers un personnage .

La double énonciation permet à l'auteur de s'impliquer d'avantage dans ses propos : une opposition plus ou moins importante à la société lui est permise. Il emploie un moyen détourné en impliquant ses idées dans la tirade d'un de ses personnages.

Les monologues , notamment, permettent une réflexion plus profonde sur la société, puisque le personnage est face à lui-même ( et au spectateur ) : Longue tirade de Figaro dans Le Mariage de Figaro qui conteste l'ordre sociale.

Un autre avantage du théâtre semble être sa facilité d' accès à la majorité de la population . Le théâtre s'ouvre à un public plus large. Les idées de l'auteur peuvent ainsi être mieux répandues.

➡️ L'observation des pièces de Molière confirme cet aspect. Molière – grand dramaturge et comédien – a crée un grand nombre de comédies-critiques où il montre les défauts de la société. L'Avare de par son genre, une comédie classique, se rend accessible aisément et les spectateurs ont ainsi accès aux idées de Molière, à ses critiques.

@monsieurrigaud ?️ Le 9 septembre 1668 est créée l’Avare de Molière, l’occasion de te montrer un détail dans le texte… #profdefrancais #moliere #lavare #histoirevraie ♬ son original - Monsieur RIGAUD

Où prendre un cour de francais ?

Le monologue théâtral offre au personnage la possibilité de s'exprimer directement devant le public, révélant ses pensées les plus profondes et intimes. Par exemple, dans "Le Malade Imaginaire" de Molière, le personnage d'Argan exprime sa colère et sa frustration envers ses médecins, sa famille et ses domestiques, dévoilant ainsi un conflit intérieur intense. Ce moment de vérité crée une connexion émotionnelle entre le personnage et le public. D'autre part, le dialogue théâtral permet aux personnages de confronter leurs points de vue et d'explorer les conflits de manière plus nuancée. Dans des pièces comme "Antigone", les différents personnages présentent des perspectives divergentes sur le pouvoir et la justice, et incitent le public à réfléchir et à former sa propre opinion. Ainsi, le monologue et le dialogue théâtral offrent tous deux des moyens efficaces d'explorer et de mettre en lumière les conflits, qu'ils soient personnels ou sociaux.

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Les éléments importants au théâtre ✏️

Les grandes figures du théâtre .

Le théâtre antique a vu naître des dramaturges célèbres tels qu' Eschyle, Sophocle et Euripide pour les tragédies , et Aristophane pour la comédie . Leurs œuvres, comme "L'Orestie" et "Antigone", sont des références majeures.

La période médiévale compte quelques auteurs notables comme Rutebeuf et Marguerite de Navarre.

La période moderne a vu le théâtre s'épanouir en Europe , notamment avec William Shakespeare pour l'Angleterre et Molière , Corneille et Racine pour la France. Molière, avec des pièces comme "Dom Juan" et "Le Malade Imaginaire", a une influence majeure sur la culture française.

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Au XVIIIe siècle , le théâtre se développe dans toute l'Europe avec des dramaturges comme Beaumarchais en France, Goldoni en Italie et Lessing en Allemagne.

Au XIXe siècle , des auteurs comme Victor Hugo, Alexandre Dumas, Alfred de Musset, Eugène Ionesco et Jean Anouilh ont marqué la scène française. Dans d'autres pays, des dramaturges tels que Gogol en Russie et Wilde en Irlande ont émergé.

Au XXe siècle , le théâtre a prospéré dans le monde entier, avec des figures comme Tennessee Williams aux États-Unis et Yukio Mishima au Japon.

Pour terminer, voici un tableau récapitulatif des plus grands dramaturges de tous les temps :

À présent, vous voici avec toutes les cartes en main pour faire une bonne dissertation sur le théâtre ! À vous de jouer !

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Professeur d'histoire, de français et d'anglais dans le secondaire et le supérieur. J'aime la littérature, les jeux vidéo et la tartiflette. La dalle angevine me donne soif de savoirs !

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Dissertation sur le théâtre - Français, 2nde

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Sujet du devoir

Le théâtre est-il selon vous "une école de la vie", ou est-il tout simplement destiné à divertir ? Dissertez... !

Où j'en suis dans mon devoir

Introduction :

Dans l'origine grecque et latine, le théâtre avait pour objectif premier de transmettre des idées, d’instruire, il était considéré comme un instrument d’enseignement, pourtant au fil du temps, le théâtre s'est transformé et est devenu un divertissement. Cependant, durant les anciennes traditions grecques, le théâtre était créé dans le seul but de se jouer durant les cérémonies de Dionysos, dieu de la vigne, pour ainsi honorer ce dieu. Dans un premier temps, nous étudierons l’aspect didactique du théâtre, ce qu’il peut transmettre comme idées, qu’elles soient politiques, romantiques et satyriques obligeant ainsi le spectateur à réfléchir. Dans un second temps nous étudierons l’objectif divertissant du théâtre à travers les pièces jouées au théâtre, les jeux de rôles de la comédie, et enfin nous terminerons avec les tragédies, et les comédies de Molière.

Thèse : Le théâtre est une « école de la vie »

1. Politique

• Le théâtre engagé du XIXème siècle permet aux auteurs d'affirmer leurs opinions politiques ou autres. Exemple : Hernani de Victor Hugo, qui donne lieu à la bataille d'Hernani opposant les anciens (romantiques) aux modernes (traditionalistes).
• Antigone de Sophocle et de Jean Anouilh donne son avis et oblige le lecteur et même le spectateur à réfléchir. Les opinions politiques peuvent changer : Anouilh a interprété la pièce pour la première fois durant la seconde guerre mondiale pendant l’occupation allemande.
• Dans Le Tartuffe de Molière, le contexte idéologique de la pièce, étant sous le règne de Louis XIV, est le catholicisme qui domine l’Europe, et le gallicanisme présent en France influe sur les personnes (Français en majorité). Molière se fie aux croyances du peuple bourgeois. Le théâtre est fait à l’origine pour faire passer des messages politiques. Il peut nous aider dans nos choix politiques et parfois religieux.

2. Romantique

• L’amour peut être arrêtée par peu de choses dont l’honneur. Exemple : Dans Le Cid de Corneille, l’auteur représente la fureur passionnelle. Rodrigue est déchiré entre son amour et son devoir, et finit par écouter la voix du sang et tue le père de Chimène en duel. Ainsi, l’amour a été moins fort que l’honneur.
• Dans la tragédie de Phèdre de Racine, Phèdre tombe amoureuse de son fils Hippolyte, ainsi on voit les relations entre les personnes qui aiment celles de leur famille, et cela instruit le lecteur et lui apprend les difficiles étapes de la vie amoureuse auxquelles il faut résister.
• L’amour n’a pas de limites et rien ne l’arrêtera, on est prêt à tout pour se marier. Exemple : Dans Cinna de Corneille, Cinna est amoureux d’Émilie, pour cela, elle lui demande de tuer Auguste sans quoi elle ne l’épousera pas. Cinna organise un complot pour assassiner l’empereur. Le théâtre est fait pour plaire et également pour instruire, entre, autre une pièce classique du 17ème siècle telle que Cinna était destinée à provoquer une catharsis, autrement dit une purgation des passions chez les lecteurs et ne pas reproduire ce qu’ils voyaient. Il est difficile de résister à l’amour.

3. Réflexion/Satyrique

• Le théâtre peut permettre une réflexion sur des sujets importants tels que la vie ou les choix de celle-ci. Exemple : Le Cid de Corneille, avec le dilemme de Rodrigue. Cette œuvre peut pousser le spectateur ou le lecteur à réfléchir sur ses propres choix à prendre tout au long de sa vie.
• Le théâtre peut influencer et corriger les mœurs de différentes manières. Lorsque qu’ils vont au théâtre, ils prennent la peine de réfléchir à ce sujet. Exemple : Le Bourgeois Gentilhomme de Molière, où celui-ci critique délibérément la bourgeoisie à travers la satire.
• Exprimé dans de nombreuses pièces de Molière, on remarque que l’auteur se moque de la haute société. Exemple : L’Avare de Molière, on peut distinguer l’avarice d’Harpagon surtout grâce à son monologue et cela apporte des informations qui aident le lecteur à se poser des questions. Egalement dans Les Femmes Savantes de Molière, on peut voir les femmes savantes qui sont Philaminte et Bélise. Elles sont deux pédantes, sûres d'elles qui pensent toujours détenir le bon raisonnement. Le lecteur se compare en quelque sorte avec les personnages et s’interroge sur ses manières d’agir. Les pièces de théâtre servent donc aussi à créer l’identification du spectateur aux personnages, par une nouvelle forme d’enseignement.
• Dans la tragédie de Racine, Phèdre, on remarque la relation incestueuse entre Hippolyte et sa mère, Phèdre, ce qui peut gêner le spectateur au niveau moral. Ces relations peuvent entraîner des discours argumentatifs à propos de ce sujet qui ne met pas toujours les personnes à l’aise. Le théâtre permet de se remettre en question.

Antithèse : Le théâtre est destiné à divertir

1. Aller au théâtre

• L'origine du théâtre est grecque, et lorsque l'on allait au théâtre, c'était dans le but de s’instruire et de se distraire. Le jeu des acteurs était centré sur les actions. Ainsi la farce fut élaborée. Exemple: La Farce de Maître Pathelin, ainsi que la comedia dell' arte, au XVIème siècle en Italie.
• On peut également définir le théâtre comme lieu de rencontre, où il est agréable d'aller. De plus la communication du rire des spectateurs confine à une communion et à une notion de partage du plaisir. Exemple : Les Femmes Savantes de Molière, représentation d’Arnaud Denis, sensation de « bonheur » dans la salle de théâtre, convivialité très présente, le rire est inévitable.
• Le théâtre est un lieu qui détourne momentanément les occupations des personnes. Il arrive à cela tout d'abord en suscitant des sentiments de joie (comédies) ou de peine (tragédies) chez le spectateur. En effet, dans les comédies ou dans les farces, on peint souvent la folie des hommes, de la société et leurs défauts avec beaucoup d'humour et d'ironie. On va au théâtre pour se divertir et pour s’amuser.

2. Jeu de rôles : comédie

• Comique de mots : Dans Les Femmes Savantes de Molière, dans l’Acte II Scène 6, la servante Martine déforme tous les mots qu’elle entend, obligeant le lecteur à rire : Grand-mère // Grammaire. Philaminte ne peut supporter ces erreurs : « En voilà pour tuer une oreille sensible » Acte II Scène 6 (v.488).
• Comique de situation : Dans Le Tartuffe de Molière, durant la scène (Acte IV Scène V) où Elmire révèle sa flamme à Tartuffe dans le but de montrer à son mari, qui est caché sous la table, l’hypocrisie de Tartuffe qui n’est pas conscient du fait que le mari d’Elmire écoute leur conversation. Cette scène provoque le rire chez le lecteur qui est au courant de la situation.
• Comique de geste : Dans L’Ecole des Femmes de Molière, dans la scène 2 de l’acte 1, Alain, le valet d’Arnolphe mène une dispute avec Georgette, la servante d’Arnolphe, et le valet est très fâché envers elle et veut lui mettre une gifle mais par accident cette gifle touche Arnolphe ce qui crée un effet comique et déclenche le rire du lecteur. La comédie fait rire grâce à maintes techniques obligeant le lecteur ou le spectateur à sourire.

3. Tragédie et Comédie (Molière)

• La comédie a pour but de « corriger les mœurs par le rire » (Castigat ridendo mores (latin)). Pour Molière, il s’agit de « corriger les hommes en les divertissant » en dénonçant l’avarice des hommes (L’Avare de Molière), les travers de la médecine (Le Médecin Malgré Lui de Molière), de la justice, de la Cour, etc. La comédie met en scène des personnages de la bourgeoisie.
• La tragédie remonte au temps des Grecs avec Eschyle (Tragédies), Sophocle (Antigone) et Euripide (Electre) durant le Vème siècle avant Jésus-Christ. La tragédie peut divertir bien qu’il soit souvent question de mort. Contrairement à la comédie, elle met en scène des personnes de la haute société et inspire terreur, pitié et crainte. Exemple : Phèdre de Racine, pitié envers cette famille si troublée/désorganisée.
• Molière écrit ses pièces de théâtre pour les jouer devant la cour du roi Soleil, Louis XIV, il est là pour divertir le roi, l’amuser. Ainsi, Molière ajoute ses petites touches personnelles de satire, ce qui rend le propos de la comédie encore plus comique. Exemple : Les Précieuses Ridicules de Molière, l’auteur critique la préciosité des gens à cette époque. Il n’y a pas que les comédies qui divertissent, mais aussi les tragédies, se divertir ne signifie pas « rire ».

Synthèse :

Le théâtre est un genre littéraire qui est créé pour se faire jouer. Il transmet des idées, des idéologies, des informations. Cela s’exerce à travers des idées politiques, par exemple dans Antigone d’Anouilh, mais également il peut aider le lecteur ou le spectateur à remettre en question sa situation amoureuse, les différentes étapes de la vie, et tout cela à travers une réflexion très pertinente. Il peut instruire philosophiquement et même sentimentalement ainsi que dépeindre une classe/personnes par la satire, les personnages et les sentiments. Mais le théâtre peut aussi être considéré comme un simple divertissement, comme on le voit dans la plupart des comédies et surtout celles de Molière, où l’on remarque les satires destinées à se moquer de la haute bourgeoisie. Dans les comédies, les auteurs emploient généralement plusieurs comiques pour rendre la pièce plus vivante et certainement plus captivante. Mais il y a également les tragédies qui peuvent être divertissantes malgré le fait qu’elles entraînent pitié et crainte.

Conclusion :

Le théâtre est donc un lieu on l’on peut s’instruire tout en étant un divertissement que les gens apprécient. Ainsi, apprendre en s’amusant est la meilleure des choses. Cependant, le théâtre restera t-il un lieu de détente, de divertissement et d’apprentissage culturel ?

Fiche de Révision

Le théâtre est un genre littéraire particulier. Il désigne à la fois la pièce de théâtre écrite et le fait de jouer cette pièce en représentation, avec des comédiens. 

Dans le genre du théâtre , on peut distinguer deux registres principaux : 

• la comédie : sa visée principale est de corriger les moeurs par le rire
• la tragédie : sa visée principale est de corriger les moeurs par la catharsis (purgation des passions)

Voici maintenant quelques conseils et étapes importantes à suivre pour rédiger un dissertation sur le théâtre .

Tout d'abord, il faut analyser le sujet qu'il vous est demandé de traiter. Pour cela, il faut bien sûr lire le sujet, en entier, au moins une fois, plus si nécessaire pour bien le comprendre et se l'approprier. Ensuite, il faut dégager les notions clés tels que les verbes, les citations, les délimitations géographies et/ou temporelles etc. Il faut ensuite essayer de reformuler  le sujet pour en faire ressortir une problématique. Enfin, on essaye de distinguer des parties en voyant les pour et contre du sujet sans oublier d'essayer de dépasser la thèse et l'antithèse.

Ensuite, va commencer le travail d'organisation, principalement au brouillon. Le travail du brouillon est très important pendant la rédaction de la dissertation. Il est inutile de tout écrire au brouillon, cependant le plan détaillé, l'introduction et la conclusion doit être fait au brouillon. 

On commence par une sorte de brainstorming en cherchant les idées qui correspondent au sujet. De cette réflexion, il faut ensuite en dégager un plan. Il ne faut pas oublier que ce plan doit être logique, on cherche donc aussi des liaisons et des connexions entre chaque partie et sous partie et on s'assure de l'ordre des arguments.

Après avoir bloqué un plan, avec tous les arguments et les exemples, dans le bon ordre, avec les connexions logiques, on peut passer à la rédaction au brouillon de l'introduction et la conclusion. 

Enfin, pour la rédaction au propre, on pense à respecter certaines règles. Tout d'abord, on n'écrit jamais sa rédaction en utilisant je, nous ou on. Il faut utiliser des tournures impersonnelles. On pense aussi bien à se relire pour éviter de laisser toute faut d'orthographe qui ferait perdre des points bêtement. 

Petit focus sur l'introduction et la conclusion. Voici comment elles sont constituées :

• introduction : phrase d'accroche, sujet, annonce de la problématique, annonce du plan
• conclusion : reprise de la problématique et réponse, ouverture

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Dissertation corrigée sur le Théâtre

Dissertation Sujet de Bac : Appréciations : or 5 Sni* to View Le théâtre est né dans l’Antiquit avec les premiers philosophes tels que Aristote au milieu du XVIIème siècle. Son rôle à cette époque-là va être de répondre à l’ensemble des règles inspirées du théâtre antique. C’est un spectacle vivant qui a été revisité plusieurs fois dans les différents siècles. Les principaux théâtres ont été ceux du XVIIème siècle et du XVIIIème siècle.

La principale idée du théâtre est la morale qul s’emploi devant une conclusion d’ordre moral, sentencieux ou ironique. Le théâtre peut se trouver confronter à deux types d’écoles qui sont ceux de l’immoralité et de la vertu. L’école d’immoralité est l’opposition aux principes de la morale. Cest l’absence de ces principes. La vertu est la capacité à faire du bien, être efficace à quelque chose. Est-ce que le théâtre est une école d’immoralité ou de vertu ?

Dans un premier temps, nous allons essayer de définir ce qu’est une représentation théâtrale. Dans un second temps, de spectateurs ont l’impression de faire partie de la pièce notamment grâce au théâtre à l’Italienne qui apparaitra quelques iècles après le théâtre antique. Ainsi, Cest en plein centre de Venise qu’est apparu le premier théâtre de ce genre le Teatro San Cassiano, édifié en 1637. Egalement, le théâtre à pour but de faire ressentir des sentiments qui sont pour ou contre un personnage de la pièce.

Cet aspect est l’une des grandes forces du théâtre même si on ne connaît rien les personnages, on vient à les apprécier ou à les détester alors que nous ne les connaissons pas auparavant. Tout cela est crée par l’auteur de cette pièce qui se sert des didascalies our que le personnages change de ton ou de caractère très rapidement. Notamment dans certaines pièces où la fin n’est pas celle que l’on attendait au départ et qui va laisser perplexe les spectateurs. Chacun peut donner son avis à propos de son personnage préféré avec des arguments qui se trouvent dans la pièce en question.

C’est vraiment un spectacle vivant ouvert ? tout public car chacun y trouvent du plaisir et que passent un très bon moment. La musique à une certaine époque va remplacer certaines paroles. Par exemple, le vaudeville au théâtre bourgeois au XIXème siècle. De plus, lors du théâtre classique, au XVIIème siècle, le héros est rarement seul sur scène et parfois on laisse à imaginer des scènes qui ne peuvent pas être montrées pour des règles de bienséance. Les scènes coupées vont être essentiellement les scenes de mort.

Même aux époques où I scènes de mort. Même aux époques où les représentations étaient réservées aux rois ou aux personnes puissantes ; les comédiens essayaient de les distraire alors que les pièces parlaient de scènes d’actualités ; tout en faisant en sorte que les spectateurs ne se reconnaissent pas. Le spectateur va être mis ? l’épreuve et va pouvoir déduire si ce qu’il imaginait dès le début était juste ou pas. C’est souvent à la fin des représentations que l’on assiste à cette règle de bienséance.

En général, le personnage de fin se retrouve dans une catharsis et est obligé de mourir soit de peine, de haine, de regret, ou de folie. Ce qui provoque un effet de double jeu. Notamment, le coryphée dans « Les Choéphores » de Eschyle au Vème siècle avant J. C. Par ailleurs, l’essentiel devoir durant plusieurs siècles, notamment celui du théâtre classique, les spectateurs adhèrent aux situations résentées et aux sentiments des personnages, qui doivent être conformes à la sensibilité de l’époque.

Cest ce que l’on appelle les conventions sociales et culturelles. Les conventions sociales concernent les sentiments qu’éprouvent les spectateurs ; c’est pour cela que certaines scènes n’étaient pas jouées sur la scène mais que le spectateur devait deviner ou imaginer. Les conventions culturelles concernent les situations de l’époque tels que des monarchies. Les personnes puissantes ne doivent pas être représentés sur scène donc plusieurs auteurs vont les interpréter

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Les exposés au collège

Recherches sur le théâtre, introduction à un exposé sur le genre théâtral, niveau 4ème.

Exposé sur le théâtre Le théâtre : un genre littéraire Définition : Le théâtre est à la fois l'art de la représentation d'un drame, un genre littéraire particulier Jadis, le mot désignait également la scène ou le plateau, c'est-à-dire toute la partie cachée du public par le rideau Il s'agit de spectacles dans lesquels des acteurs, mis dans les circonstances et les situations créées par un texte et la vision d'un metteur en scène/réalisateur, incarnent des personnages pour un regard extérieur (le public), dans un temps et un espace limités. Les dialogues écrits sont appelés pièces de théâtre, mais il peut y avoir également du théâtre sans texte écrit ou même sans aucune parole. Dans la création contemporaine, les frontières entre les différents arts de la scène (théâtre, mime, cirque, danse...) sont de plus en plus ténues, si bien que certains professionnels n'hésitent pas à remplacer le mot théâtre par les mots spectacle pluridisciplinaire ou spectacle vivant, mettant ainsi l'accent sur le métissage des disciplines. Histoire : Bien que la première représentation théâtrale connue, une représentation grecque ( ou bien égyptienne selon les versions ) du Dieu Dionysosاةثحي, date de VI avant Jésus-Christ 3, c'est d'abord à l'époque grecque antique qu'apparaît le Theatron (θέατρον, qui vient de θεάομαι : regarder, contempler). Le terme désigne alors l'hémicycle destiné aux spectateurs. Un théâtre est donc à l'origine un lieu d'où le public observe un spectacle. À la Renaissance, la signification s'étend non seulement à l'ensemble de l'édifice de spectacle, scène comprise, mais également à l'art dramatique. Ce n'est qu'après la période du théâtre classique que le terme désigne aussi la littérature écrite spécialement pour la représentation théâtrale. Le théâtre est né en Grèce, où des concours tragiques existent depuis le VIe siècle av. J.‑C.. Il est apparu à Rome à la fin du IIIe siècle av. J.‑C. Les représentations font partie des « jeux » (ludi), fêtes officielles de la cité. À Rome, on édifie d'abord des théâtres en bois, où seuls les spectateurs des premiers rangs sont assis, puis des théâtres en pierre : théâtre de Pompée en 55 av. J.-C., de Balbus en 13 av. J.-C., de Marcellus en 12 ou 11 av. J.-C. En Campanie, par exemple à Pompéi, on construit des théâtres en pierre dès le IIIe siècle. À l'époque impériale, chaque ville romaine a son théâtre, comme Ostie en Italie, Orange en Gaule ou Sabratha en Afrique. Dans le théâtre romain, plus anciennement dans le théâtre grec, les acteurs portaient un masque : cet accessoire leur permettait d'être mieux vu des spectateurs assis sur les gradins parfois éloignés et d'en être mieux entendus, leur voix étant amplifiée comme par des porte-voix. Il y avait des masques tragiques (un visage triste) ou comiques (un visage fendu d'un large rire) ainsi que des masques doubles (un côté tragique, un côté comique); les acteurs qui se servaient de ces derniers devaient jouer de profil. L'acteur, exclusivement masculin, porte aussi des vêtements aux rembourrages voyants et cloturaux ainsi qu'une coiffure très haute, censés évoquer le gigantisme des dieux et des héros qu'il incarne. Le genre théâtral : définition et exemples Molière disait, traduisant ainsi une devise de Santeul : le but de la comédie est de corriger les mœurs (castigat ridendo mores), ce qui vaut aussi pour la tragédie. Ces deux formes théâtrales ont en effet une portée édifiante. La comédie se propose de « corriger les vices des hommes en les divertissant », dit Molière. Cet auteur célèbre français, tout en faisant rire les spectateurs par des passages comiques tirés de la farce, un genre qu'il a longtemps joué, tournait en ridicule les travers humains. Il le dit lui-même  : « On veut bien être méchant, mais on ne veut pas être ridicule ». Il s'est ainsi moqué entre autres du pédantisme dans Les Femmes savantes, des faux dévots et des crédules dans Tartuffe ou l'Imposteur, de l'avarice dans L'Avare et des faux savants - il y vise en particulier la médecine - dans Le Malade imaginaire. La tragédie tente, elle aussi, de corriger les vices des hommes, ou plutôt leurs passions, de deux manières : d'abord en montrant les dégâts que peuvent provoquer les passions : dans les tragédies, les passionnés se font tuer, tuent ou se suicident (comme dans Phèdre où cette dernière s'empoisonne à cause d'un amour illégitime), deviennent fous, tel Oreste à la fin d'Andromaque de Racine (hors de la scène, par respect de la règle des trois unités) ; ensuite, les dramaturges comptent sur la « catharsis » (du grec κάθαρσις : purification), ou purgation des passions : les spectateurs d'une tragédie sont ainsi censés se purger, se purifier des passions en les vivant par procuration, en éprouvant terreur et pitié, comme l'écrit Aristote dans sa Poétique. Exposé wikipédia Voici une fiche sur le vocabulaire du théâtre afin d'approfondir l'exposé sur ce genre littéraire : le vocabulaire du théâtre 1 - organisation action : évènements de la pièce, intrigues coup de théâtre : un évènement imprévu modifie le cours de l'action acte : une poièce de théâtre est divisée en actes l'entracte : temps qui sépare un acte d'un autre l'exposition : permet aux spectateurs de connaitre les personnages et les faits qui expliquent la situation au début de la pièce; la première scène d'une pièce est une scène d'exposition noeud : point culminant de l'action dénouement : fin de l'intrigue 2 règles d'unité : l'unité d'action : une histoire à la fois l'unité de lieu : un seul lieu l'unité de temps : une seule journée 2 - le texte théâtral dialogue : réplique : une prise de parole tirade : longue suite de phrases dite par un acteur sans interruption monologue : un personnage parle seul didascalies : indications scéniques sur le décor, les déplacemetns et les gestes. 3 - la représentation théâtrale un théâtre comprend une scène, lieu où les acteurs jouent. plateau : l'espace où les décors sont plantés coulisses : partie située derrière le décor metteur en scène : personne qui organise la représentation théâtrale Une pièce de théâtre La pièce de théâtre est une suite de dialogues, sans narrateur. Il peut s'agir de comédie, de tragédie ou (au XIXème) de drame. Ce texte est fait pour être joué, vu et entendu. Il faut donc être attentif à toutes les indications dans le texte -registres de langue, répartition de la parole, types de phrases- permettant de comprendre les intentions et sentiments des personnages ou les didascalies permettant de mieux comprendre certains points comme le lieu, le temps, le ton. I Composition d'une pièce Au début le changement d'acte était lié à la nécessité de changer les bougies donnant la lumière. Chaque acte doit constituer une unité. Une pièce est généralement constituée de trois ou cinq actes. Le premier acte est celui de l'exposition dans lequel l'auteur présente le contexte (où et quand), les personnages, le héros, le noeud de l'intrigue, les obstacles(opposants) et les "aides" (adjuvants) du héros. Le dernier acte est celui du dénouement, dans lequel l'intrigue trouve sa solution. On change de scène quand un personnage entre ou sort. Les scènes n'ont pas toutes la même importance pour l'intrigue. II Composition du texte Il faut distinguer le texte dit par les comédiens : les répliques, et les indications scéniques : les didascalies. Si une réplique est longue, c'est une "tirade". Si le personnage parle seul en scène (ou se croit seul), c'est un "monologue". Une réplique dite à part (sans que l'interlocuteur ne l'entende) est un "aparté". Les didascalies renseignent sur le décor, les mouvements, le ton à prendre... Elles permettent de faciliter la mise en scène.

BILAN EXPRESS LES GENRES LITTERAIRES : LE THEATRE Ce qu’il faut retenir: L'analyse du langage théâtral permet de mettre en évidence les caractéristiques du langage dramatique, dialogue, monologue, stances, aparté, didascalies, et celles de l'action dramatique (avec ses trois moments : exposition, noeud dramtique et dénouement). La scène et le jeu choisi par les acteurs ou le metteur en scène participent également de ce langage et font sens. On distingue deux formes théâtrales majeures : la comédie, héritée de la farce et de la commedia dell"arte, et la tragédie issue de l'antiquité. La comédie se donne pour but de divertir en dénonçant les vices et en tentant de les corriger, comme le montrent les pièces de Molière et de Marivaux. La tragédie, régie par la bienséance et la vraissemblance, présente une action noble, une "tristesse majestueuse", (Racine, préface de Bérénice). Elle s'épanouit en France au XVIIè avec des auteurs comme Racine ou Corneille. Le drame romantique se développe au XIXè avec Victor Hugo, Alfred de Vigny et Musset, comme l'expression théâtrale de la passion et la revendication d'une liberté face aux classiques. Le XXè siècle multiplie les entorses aux règles du langage théâral et donne naissance au théâtre de l'absurde. Ionesco exploite ainsi la crise du langage et la déconstruction du personnage.

Exposé 4è sur Galahad, un roman de chevalerie. Note obtenue, 16/20

Exposé sur le théâtre niveau 4ème, exposé sur le classicisme, niveau 3ème, exposé complet sur cyrano de bergerac, niveau 3ème, comment faire et réussir un exposé au collège, etudier les monstres en 6ème, figures de la littérature, etudier les figures des monstres en littérature en classe de 5ème, etudier les monstres en 4ème, figures de la littérature, etudier les figures des monstres en littérature en classe de 3ème, dossier les monstres en littérature niveau collège, éléments pour un exposé, ressources sur les figures littéraires des monstres : le louvre, les vanités : exposé niveau 4ème., pour aller plus loin .

Date de dernière mise à jour : 04/05/2021

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Comment la pièce Juste la fin du monde de Jean-Luc-Lagarce donne-t-elle à voir des personnages en crise ?

Les personnages subissent des crises personnelles - la crise familiale et la parole en crise chez lagarce., comment l’œuvre juste la fin du monde de jean-luc-lagarce illustre-t-elle une crise personnelle et familiale à travers une crise du langage .

INTRODUCTION 

Duchaste disait « La parole fait événement : elle détraque les pensées avant de secouer les corps ». C’est ce que montre l’œuvre de Jean Luc Lagarce Juste la Fin du Monde publiée en 1999. Dramaturge, poète et écrivain universel du 20ème siècle aujourd’hui il est l’auteur contemporain le plus joué en France et son œuvre est traduite en plus vingt-cinq langues. Son écriture lui a permis d’apprendre à vivre et à mourir, atteint de Sida il meurt jeune à l’âge de 38 ans. La pièce composée en deux parties raconte le retour de Louis, 34 ans qui va mourir et décide de retourner voir sa famille après une longue absence de 12 ans pour leur annoncer la nouvelle. Au cours de la pièce on témoigne d’une crise personnelle et familiale entre Louis son petit frère Antoine, sa sœur Suzanne et leur mère. En effet, le théâtre de Lagarce est le théâtre de la parole où les silences de Louis incarnent l’échec de cette parole. Ainsi, dans son œuvre il rompt avec les étapes traditionnelles du théâtre et la parole tient lieu d’action. 

ANALYSE DU SUJET 

Le pronom interrogatif du sujet : « Comment » suggère que les personnages sont en crise donc on cherche à démontrer de quelle manière, pour quelle raison, et par quel moyen ils sont en crise. Crise a deux sens étymologiques. Un sens médical et un sens usuel. Le sens médical signifie : « un ensemble des phénomènes pathologiques se manifestant de façon brusque et intense, mais pendant une période limitée » (dictionnaire CNRTL) . En revanche, le sens usuel dans le théâtre désigne : « le nœud de l'action dramatique, caractérisé par un conflit intense entre les passions, qui doit conduire au dénouement ». (dictionnaire CNRTL) On peut aussi parler de crise identitaire, crise de folie, crise de nerfs, crise de jalousie, crise d’adolescence, piquer une crise, crise de la trentaine, crise économique, crise de la civilisation… En outre, le mot crise est utilisé dans le langage soutenu comme dans le langage familier et dans plusieurs domaines dont la littérature pour désigner l’évolution soudaine d’un état psychologique ou d’une intrigue. De plus, les personnages dans la pièce sont une famille donc la crise est associée à l’état psychique des personnages et leurs relations familiales. Néanmoins, on sait que Lagarce est sceptique face à la parole. La crise des personnages se reflète donc aussi dans le langage, la capacité de communiquer. Ainsi, le sujet nous invite à nous demander si : La pièce Juste la fin du monde de Jean-Luc-Lagarce donne à voir des personnages en crise ? 

PROBLEMATISATION 

Nous pouvons nous poser la question suivante :

Comment l’œuvre Juste la fin du monde de Jean-Luc-Lagarce illustre-t-elle une crise personnelle et familiale à travers une crise du langage ?  

ANNONCE DU PLAN 

Tout d’abord, nous verrons en quoi les personnages subissent des crises personnelles. Puis, nous étudierons la crise familiale et enfin, nous analyserons la parole en crise chez Lagarce. 

I/ Crise personnelle   1/ Une crise fixe  2/ Une crise en mouvement 3/ Des identités fluctuantes

I/ Crise personnelle  

1/ Une crise fixe  

Louis en tant que personne statique choisit le silence plutôt que la parole. Même s’il veut annoncer sa mort au début de l’œuvre il ne le fait pas car il veut que les autres membres de sa famille puissent parler comme s’il n’allait pas mourir. En effet, annoncer sa mort aurait biaisé le retour car on ne peut pas s’énerver contre un mourant. Ainsi Louis même si c’est le personnage principal, choisit de garder le même statut au cours de la pièce : celui du protagoniste mourant silencieux qui écoute pour entendre l’autre, l’aimer et, peut-être, être aimé.  

Le retour de Louis représente aussi le retour du fils prodigue car Louis est admiré par sa famille. Cela le limite à l’image de l’enfant avec un don celui de l’écriture, « ce don » qui ne se sent pas aimé, qui est seul et qui est abandonné. Même si la solitude est son choix. Par conséquent, il s’agit du retour de la victime, du voyageur de la « bonté même ». C’est cette image qu’incarne Louis au cours de l’œuvre et c’est pour cela que Catherine Brun dit que « Louis est une figure intouchable ».  

Largarce insiste sur le paradoxe que crée Louis lorsqu’il parle de sa solitude. Notamment, dans la scène cinq de la première partie au cours de laquelle Louis fait son deuxième monologue. Dans ce monologue il exprime ce paradoxe : il souffre car il est seul mais il s’est isolé « on m’abandonna, car je demande l’abandon » il le redit différemment plus tard : « on m’abandonna toujours…. Parce qu’on ne saurait m’atteindre, me toucher ». Grâce à ce passage on note que les raisons de cette solitude sont : Tout d’abord, il n’est pas en présence physique de sa famille, il a mis de la distance entre eux et lui. Ensuite, il ne correspond pas au mythe de fusion des corps et des cœurs avec les membres de sa famille. Enfin, Il éprouve un sentiment de solitude quel que soit le nombre de personnes qui l’entourent. Cependant, la crise est visible car non seulement il prend conscience de ce paradoxe mais il ne dit même pas pourquoi il recherche cette solitude qui pourtant le fait souffrir « je n’aime personne et je suis solitaire ». L’homosexualité de Louis qui est l’un des non-dits de la pièce autour duquel tournent certains des échanges est sans doute la cause de cette volonté d’éloignement. S’éloigner, c’est échapper au jugement de l’autre, c’est se protéger. On peut le comprendre dans une relation familiale qui peut être pleine d’attente, de tabous et de déceptions. Louis adopte donc une position fixe loin de sa famille pour plus de douze ans.  

En effet, cet éloignement a fait que Louis sait qu’il est déjà mort pour les autres car il s’est isolé même si sa famille ne sait pas encore la nouvelle. Son départ les a forcés à l’aimer, sans le voir, comme l’on ferait d’un défunt. C’est pour cela qu’au cours de la pièce on a l’impression qu’il est là sans être là. Notamment pendant l’ « Intermède » lorsque tout le monde le cherche mais il ne répond pas.  

2/ Une crise en mouvement  

Antoine est un des seuls personnages en mouvement dans toute la pièce. En effet, les personnages ont du mal à être dans le présent, d’où l’abondance du passé composé, ou du futur. Car on contemple toujours un autre temps, les souvenirs ou l’anticipation de l’avenir.  

Dans la scène 3 de la deuxième partie Antoine parvient à faire une tirade. C’est une partie clé de l’œuvre car pour la première fois, l’un des personnages est dans le présent en train de parler à quelqu’un en face de lui, ici Louis 

Antoine veut toujours fuir, il ne reste jamais en place. Il est opposé à son frère Louis, silencieux et statique. Antoine est bruyant, il parle beaucoup car il n’arrive pas comme son frère à rester dans le silence.  

Antoine est une personne qui ne supporte pas d’être figé sous l’étiquette du frère brutale d’où ses répliques : « brutal », je ne voulais pas être brutal, je ne suis pas un homme brutal, ce n’est pas vrai, c’est vous qui imaginez cela, vous ne me regardez pas, vous dites que je suis brutal, mais je ne le suis pas et ne l’ai jamais été » et « Je suis un peu brutal ? Pourquoi tu dis ça ? Non. Je ne suis pas brutal. » lorsque Catherine lui dit « tu es un peu brutal {…} parfois tu es un peu brutal » or ses actions et son langage le sont  notamment quand il dit à Louis « Tu me touches : je te tue. » 

Le théâtre c’est l’art de montrer. En effet, le genre théâtral valorise la mimésis que la mise en scène permet de mettre en valeur.  

La représentation cinématographique de la pièce par Xavier Dolan par exemple permet d’illustrer d’avantage le mouvement d’Antoine qui s’oppose à la fixité de Louis par les paroles et les gestes.  

Louis ne bouge pas beaucoup il marche lentement et son visage reste figé sauf pour « ces deux ou trois mots » et son « petit sourire ».  

Antoine parle fort il touche les autres personnages il bouge constamment dans tous les sens et menace même de frapper Louis.   

On retrouve cette notion de crise personnelle en mouvement dans le film « The Father » (le père) de Florian Zeller.  

La fille de son père atteint d’une maladie bouscule tout dans sa ville dont sa relation conjugale pour s’occuper de son père en l’accueillant chez elle. Elle essaye de tout changer pour que son père soit heureux mais il ne l’est jamais.  

Le père subit malgré lui une crise personnelle en mouvement à cause de sa maladie qui trouble sa mémoire. Ainsi, ces alentours sont toujours en train de changer : le décor de l’appartement change et les personnages changent d’apparence pour montrer au public ce qu’il ressent.  

3/ Des identités fluctuantes  

Les identités des personnages sont fluctuantes, elles s’enrichissent d’une pièce à une autre.  

Alors que Louis incarne la figure d’Ulysse qui doit reconquérir Ithaque Suzanne et Antoine ont évolué sans lui. Louis ne les connait plus. « Suzanne ne sait pas qui tu es » et Antoine dit : « il y a longtemps que tu ne me connais plus / tu ne sais pas qui je suis » 

Suzanne ressent une certaine fascination envers Louis, son retour lui rappelle la médiocrité et la banalité de sa vie. L’absence de Louis la déçoit. Elle dit : « Je voulais être heureuse et l’être avec toi ». Elle donne beaucoup d’importance à une relation qui au final n’existe pas car elle n’a jamais connu son frère et il ne la connait pas. La mère explique dans la scène 8 que Suzanne sera « triste à cause de ces deux ou trois mots » de Louis.  

Antoine en l’absence de son frère ainé et de leur père ressent le besoin de prendre la position de la figure masculine dominante, du bouc émissaire de la famille. Mais il échoue, Antoine est « dur » et « brutal quand il parle de » Louis « ou silencieux et refusant d’ouvrir la bouche ». Ainsi, Antoine ressent de plus en plus de rancœur envers son frère car il doit prendre une position de contrôle au sein de la famille qu’il ne sait pas gérer. Il s’agit donc d’une crise personnelle identitaire chez Antoine car les rôles familiaux ont été prédéfinis Antoine refuse les étiquettes. 

Malgré sa fixité l’état d’esprit de Louis n’est pas fixe il fluctue, notamment lorsqu’il se trouve face à la mort.  

Dans la scène 10 de la première partie Louis traverse plusieurs étapes psychologiques face à la mort : 

Il est égocentrique  

Il est haineux et veut prendre le contrôle de sa mort. Il veut avoir le choix de mourir. « je veux » « elle est ma décision » « je décide de tout ». 

Il ne veut pas que sa famille le regrette donc il se sacrifie « je me sacrifie ». 

Il est dans le déni car il veut fuir la mort en voyageant. 

La mort le rattrape et il l’accepte « Je perds. J’ai perdu. » 

Ce rapport à la vie et à la mort est universel. Par ailleurs, dans cette scène Louis parle de lui-même comme s’il était déjà mort et il est en train de faire son propre deuil. On pourrait dire qu’il suit les étapes du deuil de Kübler Ross (1969) : le déni, la colère, le marchandage, la dépression et l’acceptation.  

Cette mort annoncée est aussi mise en avant dans l’intermède lorsque tout le monde l’appelle mais il ne répond pas. C’est comme s’il était là sans être là car il est déjà mort.  

II/ Crise familiale 1/ Les retrouvailles ont semé la crise 2/ Violence dans un huis clos 3/ Tonalité tragique au sein de la famille

II/ Crise familiale  

1/ Les retrouvailles ont semé la crise  

La pièce de Lagarce reprend la thématique du fils prodigue de la Bible qu’il a déjà développé dans d'autres pièces. En effet, Louis incarne la figure du fils prodigue. Cela est à l’origine de la crise familiale car lorsqu’il revient il est déjà déraciné de sa famille est de son lieu de naissance. 

Dans la scène 3 de la deuxième partie le personnage de Louis comprend qu’il est déjà mort pour les autres car il s’est isolé même si sa famille ne sait pas encore la nouvelle. Or, Louis se rend compte qu’ils sont devenus étrangers les uns aux autres. Il est un revenant, il revient du côté des vivants avec paradoxalement, la mission de dire qu’il va mourir 

Le fils prodigue est l’ainé de la famille donc lorsqu’il revient les autres personnages se concentrent sur ce fils qui s’est métamorphosé en une sorte d’idole.  

Louis se « plante » au centre de la famille ce qui crée inévitablement un déséquilibre familial et donc des conflits. Les autres personnages savent que Louis ne reviendra pas après encore 12 ans donc c’est leur seule chance pour dire tout ce qu’ils ont sur le cœur, toutes les choses non dites qu'ils gardaient jusque-là pour eux. 

Le retour de Louis vient bouleverser l’équilibre familial et réveiller les souffrances de chaque membre de la famille  

Une des grandes clés de lecture de cette pièce est le fait qu’il n’y a pas de déséquilibre entre les personnages. Il y a un équilibre des forces entre Louis et sa famille car tout le monde est à la fois victime et coupable. Les lecteurs ne peuvent pas prendre parti car personne n'incarne le rôle du gentil ou du méchant. Cela rajoute une strate de complexité à la pièce et à la crise familiale, puisqu’on ne peut pas mettre la faute sur une seule personne. 

2/ Violence dans un huis clos 

La violence psychologique dans la pièce est la plus visible dans le conflit entre les deux frères ennemis : Louis et Antoine. Le retour du fil prodigue pour Antoine est le retour du frère aîné rival, il réactive les complexes les passions et la jalousie. En effet les deux frères s’opposent dans une hiérarchie morale. 

Tirade émotive d’Antoine dans la deuxième partie, scène 3 :  

Antoine dénonce le manque d’authenticité de leur rapport. En effet chacun joue un rôle. Ainsi, Louis a créé des rapports de force et a donné ces rôles.  

Ce qui a obligé Antoine à être spectateur de sa souffrance car il n’a pas le droit de souffrir. 

Louis joue le rôle du mal-aimé, de la victime. Il est dans une certaine posture un certain texte, le silence et un certain genre théâtral, la tragédie. « C’est lui l’homme malheureux » 

À cause de Louis, Antoine s’est senti coupable d’une faute inconnue.  

En tant que porte-parole contre le fils aîné il étend ce sentiment à toute la famille « tu nous accables ». 

Cette relation fraternelle sans père nous rappelle les frères d’Œdipe : Polynice et Étéocle. Le combat entre ces deux personnages était inévitable sachant qu’il n’y avait pas une figure de l’autorité paternelle pour les séparer comme pour Antoine et Louis.  

La violence verbale est omniprésente chez chaque personnage mais surtout dans le dialogue d’Antoine et Suzanne.  

En effet, ils utilisent de mots familiers lorsqu’ils se disputent : « Ta gueule, Suzanne. » « Merde, merde et merde encore ! ». Mais aussi des menaces « Tu me touches : je te tue. » et la répétition de mots qui exprime leur souffrance : « impuissance », « le renoncement » et « l’abandon ».  

Ce choix de langage est minutieux car Lagarce souhaite dépeindre l’image d’une famille populaire qui subit une crise. 

Chez Xavier Dolan les gros plans, le travail sur la lumière et les couleurs qui évoluent dans le film créent un contraste et une rupture entre les personnages pour exprimer la complexité des relations familiales et la crise familiale.  

3/ Tonalité tragique au sein de la famille  

La pièce de Jean-Luc Lagarce n’est pas une tragédie en revanche on retrouve certaines caractéristiques propres à la tragédie qui témoignent de la crise familiale.  

Le prénom de Louis est porté par trois générations d’hommes ce qui donne une dimension héréditaire à cette histoire familiale. La tension entre les deux frères rappelle aussi les tragédies classiques.  

Le drame se traduit par deux choses. D’une part, l’incommunicabilité et d’autre part le départ de Louis  

L’intermède par exemple montre l’incommunicabilité car il s’agit avant tout d’une scène d’angoisse qui illustre la peur de la perte de l’autre. Notamment lorsque la mère crie Louis et il ne répond pas. La scène 8 de la première partie met en valeur l’incapacité de parler, car la mère parle pour ne rien dire. Il semblerait que tout le monde soit capable de parler à propos de quelqu’un d’autre d’une manière lucide.   

Le départ de Louis est aussi tragique car dans la pièce Dieu n’est pas présent il n’y a donc pas de fatalité divine. Louis a créé son propre malheur sans aucune justification. Il y a du tragique dans l’absence de tragique. Cela révolte la mère, Suzanne et son frère. Ils vont tenter de comprendre Louis mais échouent. De plus contrairement aux pièces tragiques il n’y a pas eu d’événement traumatique au sein de la famille qui a pu pousser Louis à partir.  

Au cours de la pièce tout est manipulé et anticipé. Ainsi toute l’action est déjà annoncée - En effet, les personnages parlent très rarement au présent ils se positionnent toujours dans le passé ou le futur  

III/ Crise de la parole 1/ Crise du langage 2/ Crise de la communication 3/ Le pouvoir du silence

III/ Crise de la parole 

1/ Crise du langage  

Les personnages sont incapables de trouver les mots exacts d’où l’abondance d’épanorthose, le travail de répétition, de correction, de précision avec les parenthèses qui tentent de dire. C’est pourtant ce que Louis fait pendant toute la pièce mais échoue car il n’y a pas de dénouement concret à la pièce. Ces procédés littéraires créent de la tension et témoignent de la recherche des personnages de tendre vers la perfection de dire. Alors que le « mot juste » n’existe pas.  

Néanmoins, les épanorthoses ne rendent pas leur propos plus clair. Au contraire elles le complexifient, comme le dit Catherine Brun : « Les reprises et les variations contribuent moins à renforcer la communication qu’à manifester les fragilités ». 

Par exemple, dans la tirade d’Antoine, deuxième partie, scène 3, les répétitions font émerger le tragique du personnage. 

Or Lagarce est sceptique par rapport au langage et il refuse l’achèvement. On voit cela aussi dans Dernier Remords Avant l’Oubli où le problème de propriété n’est pas résolu. Le langage ne permet donc pas de résoudre des conflits.  

Dans son œuvre Lagarce prouve qu’il n’y a pas assez de mots dans la langue française pour exprimer avec exactitude ce que l’on ressent. En outre, nous sommes tous dans des approximations quand on parle. Ce manque de précision est à l’origine de la crise de la parole. 

Phèdre de Racine énonce clairement le chaos « Ce qui se conçoit bien s'énonce clairement ». C’est cette notion de la parole que Lagarce déconstruit car il énonce le chaos mais à travers un langage à la fois complexe et simple. En effet François Rancillac dit que le style de Lagarce est « un vocabulaire à la fois volontairement pauvre et d’une sophistication monstrueuse ». Eugène Ionesco a le même rapport au langage que le dramaturge. Il montre l’absurdité de la logique de la parole. Notamment, dans La Cantatrice Chauve où un langage courant et banal explose.  

L’intermède a d’une certaine manière le même effet car la scène déréalise le théâtre. La parole permet de construire une discontinuité entre la scène et le dialogue car les lecteurs ne savent pas si les scènes sont simultanées ou pas.  

2/ Crise de la communication 

Le langage chez Lagarce n’est pas adéquat pour se parler et se comprendre surtout en famille. Ainsi, Le dramaturge illustre l’incommunicabilité des tabous familiaux et les non-dits. 

Dans la pièce, les personnages ont du mal à se parler. « On s’entend mal » (Antoine dans les Pays Lointains). D’où les monologues ou les quasi-monologues. En effet, dans la pièce, il y a deux types de paroles monologiques : le vrai monologue et le pseudo-monologue. Il faut donc toujours se demander s’il s’agit d’une tirade, d’un pseudo-monologue ou d’un monologue. 

Par exemple après la tirade d’Antoine devant Louis on ne sait pas si Louis l’a réellement écouté car il ne réagit pas comme un frère. Il ne le prend pas ses bras. Cela rajoute donc une dimension tragique à la scène.  

C’est une des clés du texte. On ne connait jamais le statut de la parole, si la personne qui parle est entendue, si la personne parle à elle-même ou si les mots ont suffi pour communiquer. C’est le drame de la communication 

Les personnages vont rompre avec le quatrième mur pour communiquer avec le public au lieu de communiquer entre eux.  

Par exemple dans l’épilogue Louis s’adresse au public. Il brise l’illusion du quatrième mur en s’adressant directement au spectateur. Lagarce rompt la dimension mimétique du théâtre. 

De plus, dans sa tirade Antoine qui est devant les trois autres femmes de la famille qui sont restées muettes, dit « ceux-là » à la place de « celles-là ». Donc il ne peut qu'être en train de désigner le public. Le texte est  méta théâtral car les deux frères forment un spectacle pour les trois femmes, mais aussi pour le public. 

Ainsi il semble que les personnages arrivent à communiquer mieux avec le public qu’entre eux.  

3/ Le pouvoir du silence  

Le langage de Lagarce dans Juste La Fin du Monde est contemporain car Louis qui parle le moins a le pouvoir ce qui renverse le stéréotype théâtral qui donne le pouvoir et l’autorité à celui qui parle le plus. Sachant que le théâtre est l’espace de la parole absolue. Ici le silence a le pouvoir. « Le silence soit plus criant encore que le cri même » (Annie Colognat) 

Louis est riche de son silence « La bonté même » car il n’est jamais violent. Mais c’est ce manque de réaction qui crée le drame. Son silence a pour but de laisser les autres mieux parler mais elle provoque de la colère et de la confusion chez les autres personnages. Louis ne fait rien, ne dit rien donc on ne sait pas ce qu’il ressent on a juste notre perception.   

Selon Sylvian Diaz le silence incarne « L’échec du langage ». Si c’est le cas alors le silence de Louis est un échec dans la mesure où il est venu pour parler mais ne dit rien. Par ailleurs, dans la scène 5, Louis a une prise de conscience qu’il était déjà, d’une certaine manière, mort et qu’annoncer sa mort pour de vrai allait bouleverser cet équilibre donc il choisit le silence plutôt que la parole. 

Natalie Sarraute dans Le Silence, met en scène une sorte de « tropisme » qui est à l’origine du drame. Elle explore aussi la fonction du silence. Contrairement, à Lagarce la silence chez Sarraute est à cause du mépris que Jean-Pierre ressent vis-à-vis des autres personnages. C’est donc un silence qui est condescendant et qui condamne la conversation.  

CONCLUSION 

Ainsi, Juste la Fin du Monde met en scène une crise personnelle, celle de Louis. En revanche, son retour vient bouleverser l’équilibre familial et provoque une crise personnelle chez chaque personnage. En outre, cela déclenche une crise familiale qui est à la fois violente et tragique. Le drame se traduit par une crise du langage qui montre le pouvoir du silence dans la pièce. Par ailleurs, le style minimaliste, postmoderne et absurde de Lagarce illustre son rapport à la parole. Or le théâtre est le genre littéraire de la parole absolue donc c’est cette dernière qui pose les jalons de la crise personnelle et familiale. Tant que la parole est en crise, les personnages sont enfermés dans l’incommunicabilité. Néanmoins, on peut se demander s’il peut y avoir du théâtre sans la parole dans la mesure où pour Louis, le silence est le plus grand atout.  

Dissertation sur une oeuvre et le parcours associé. Exemple,Qui incarne le héros tragique dans Britannicus ? Parcours, la tragédie

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Date de dernière mise à jour : 04/11/2023

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Le Malade imaginaire, Molière : fiche de lecture

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Le Malade imaginaire s’inscrit dans une thématique fréquente chez Molière : celle de la satire de la médecine , qui symbolise la prétention scientifique à maîtriser la nature.

Le Malade imaginaire est également un spectacle total car la comédie-ballet intègre la musique, le chant et la danse, offrant un divertissement des plus plaisants.

Enfin, cette pièce a contribué à la légende de Molière car le dramaturge qui souffrait de tuberculose fait un malaise lors de la quatrième représentation le 17 février 1673 dont il meurt quelques heures plus tard.

Le Malade imaginaire : analyse en vidéo

Lectures linéaires sur Le Malade imaginaire :

• Le Malade imaginaire, acte I scène 1
• Le Malade imaginaire, acte I scène 5
• Le Malade imaginaire, acte I scène 6
• Le Malade imaginaire, acte I scène 7
• Le Malade imaginaire, acte II scène 2
• Le Malade imaginaire, acte II scène 5
• Le Malade imaginaire, acte II scène 8
• Le Malade imaginaire, acte III scène 3
• Le malade imaginaire, acte III scène 5
• Le Malade imaginaire, acte III scène 10
• Le Malade imaginaire, acte III scène 12
• Le Malade imaginaire, acte III scène 14

Dissertation

• L’écrivain Robert Sabatier définit la comédie comme une « tragédie envisagée d’un point de vue humoristique ». Cette définition vous paraît-elle s’appliquer au Malade imaginaire ?

Qui est Molière ?

Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière , est un des plus célèbres dramaturges du XVIIème siècle, qui se rattache au mouvement du classicisme .

Également acteur et directeur de troupe, cet homme de théâtre complet est la figure de proue de la comédie classique qu’il hausse au rang de la tragédie.

S’il excelle dans un premier temps avec la farce , c’est dans la comédie , plus profonde, où la peinture satirique des vices humains se colore d’une visée morale, qu’il se distinguera.

Protégé par Louis XIV, Molière est pourtant de nombreuses fois attaqué , notamment par les religieux pour ses critiques des faux-dévots dans Tartuffe . Il meurt en 1673, lors d’une représentation du Malade Imaginaire .

Comment résumer Le Malade imaginaire  ?

Dans le prologue , des personnages antiques chantent le retour victorieux de Louis XIV de sa campagne guerrière contre la Hollande.

Dans l’acte I, Argan, hypocondriaque invétéré, compte ses traitements et s’affronte avec sa servante Toinette qui le met en garde contre l’apothicaire M. Fleurant et le médecin M. Purgon qui ne font que tirer profit de lui, sans le soigner.

Angélique, la fille d’Argan, confie à Toinette son amour pour Cléante. Mais pour réduire ses frais médicaux, Argan veut marier sa fille à un médecin , Thomas Diafoirus.

Toinette s’oppose à ce mariage tandis que Béline , la seconde femme d’Argan et belle-mère d’Angélique, défend le projet de son mari et pousse ce dernier à rédiger son testament en sa faveur.

Lors du premier intermède musical, Polichinelle chante sa douleur face à l’inflexibilité de son amante Toinette et se fait rouer de coups de bâton dans une scène de commedia dell’arte .

À l’acte II, Cléante s’introduit dans la maison familiale en se faisant passer pour le remplaçant du professeur de musique d’Angélique. Le père Diafoirus et son fils arrivent, mais la scène de compliments est cocasse  : Thomas Diafoirus confond Angélique avec sa belle-mère.

Sur la demande d’Argan, Cléante donne une leçon de chant à Angélique. Les deux jeunes amants profitent de cet opéra improvisé pour mettre en abyme leur situation et se déclarer leur amour indirectement .

Angélique fait savoir son peu d’empressement pour son mariage avec Thomas Diafoirus et critique le mariage d’intérêt en visant Béline.

Argan apprend par sa cadette, Louison , la présence d’un jeune homme à la porte de la chambre d’Angélique. Furieux, il déclare qu’ Angélique ira au couvent si elle ne veut pas épouser Thomas Diafoirus.

Béralde , le frère d’Argan, intervient et propose, pour calmer son frère, un intermède de danses d’Égyptiennes (le deuxième intermède).

Dans l’acte III, Béralde tente en vain de raisonner son frère. Il renvoie M. Fleurant, l’apothicaire venu donner un lavement à Argan, ce qui provoque la colère du médecin M. Purgon qui menace Argan de terribles maladies .

Toinette se déguise en médecin pour tromper Argan et ridiculiser la profession de ces faux sachants.

Puis, Toinette décide d’utiliser un subterfuge pour faire émerger la vérité . Elle propose à Argan de contrefaire le mort pour voir la réaction de sa femme . Cette dernière tombe dans le piège : elle se réjouit de décès de son époux tandis qu’Angélique est accablée par cette annonce. Les masques tombent donc.

Argan s’éveille et accepte qu’Angélique épouse Cléante si ce dernier devient médecin. Béralde propose une meilleure solution : pourquoi Argan ne se ferait-il pas médecin lui-même ? La pièce se clôt sur la cérémonie d’intronisation d’Argan au troisième intermède.

Tu peux lire ici mon résumé en vidéo du Malade imaginaire détaillé scène par scène .

Quels sont les thèmes importants dans Le Malade imaginaire  ?

La médecine.

Molière dresse dans Le Malade imaginaire une satire féroce de la médecine.

Au XVIIème siècle, l’Europe connaît des avancées majeures en médecine car, sous l’impulsion de René Descartes, elle se dote de méthodes scientifiques.

Mais les médecins que nous voyons dans le Malade imaginaire sont des personnages prétentieux , dissimulant leur ignorance derrière des mots savants et un latin de cuisine .

Ce sont des pédants et des rhétoriqueurs plutôt que des scientifiques. Leurs pratiques qui remontent à l’Antiquité, comme le lavement et la saignée, sont non seulement incapables de guérir, mais précipitent la mort des patients.

Le médecin n’impressionne que par son habit et ses discours savants . Ainsi, à la fin de la pièce, il suffit à Argan de revêtir la tunique pour être intronisé médecin :

Argan – Quoi ! L’on sait discourir sur les maladies quand on a cet habit-là ? Béralde – Oui. L’on n’a qu’à parler ; avec une robe et un bonnet, tout galimatias devient savant, et toute sottise devient raison.

Le Malade imaginaire confronte quatre types de mariages possibles :

• Le mariage avec Dieu : c’est la menace du couvent.
• Le mariage d’intérêt : celui que Béline a contracté avec Argan.
• Le mariage arrangé (ou mariage de raison) : celui d’Angélique et Thomas Diafoirus
• Le mariage fondé sur les sentiments (ou mariage d’amour) : celui d’Angélique et Cléante.

Avec le quiproquo de Thomas Diafoirus qui confond au départ sa future femme Angélique avec sa belle-mère, Molière critique ironiquement le mariage de raison fondé sur des personnes interchangeables .

Le mariage d’intérêt est également blâmé à travers le subterfuge utilisé par Toinette pour révéler les intentions vénales de Béline .

Le mariage d’amour est mis à rude épreuve à travers la figure paternelle qui utilise ses enfants pour servir ses propres intérêts, mais c’est ce mariage qui finira par triompher .

Conscient de l’injustice de la condition des femmes, Molière défend une conception du mariage dans lequel l’avis des femmes devrait être pris en compte.

Au début de la pièce, Argan vit dans l’illusion . Il croit en la médecine, en l’amour de Béline, au mariage arrangé entre sa fille et Thomas Diafoirus.

La maladie qui l’affecte est bien plus l’erreur et le manque de lucidité que la pneumonie.

Toinette , par son subterfuge, fait émerger la vérité  : Argan comprend que Béline est intéressée et qu’Angélique est raisonnable et aimante.

Néanmoins, Argan persiste dans ses illusions sur la médecine . Ni les discours de Béralde ni la colère de M. Purgon ne parviennent à lui ouvrir les yeux sur les médecins. Prisonnier de sa peur de mourir, il demande à Cléante de se faire médecin avant de le devenir lui-même.

Le divertissement

Le divertissement est une thématique fondamentale du Malade imaginaire .

En effet, cette comédie-ballet est un spectacle total qui intègre la musique, le chant et la danse . Les intermèdes occupent une part importante de la pièce , en termes de temps et d’investissements dramaturgiques (musique réalisée par le compositeur Marc-Antoine Charpentier, costumes, décors, chorégraphie).

Par ces intermèdes qui chantent le triomphe de l’amour ou de la joie, Molière cherche avant tout à plaire aux goûts du public de son temps.

Ces intermèdes font également partie d’un décorum de cour qui montre la puissance du règne de Louis XIV et visent à s’attirer les bonnes grâces du roi.

Quelles sont les caractéristiques de l’écriture de Molière ?

Le Malade Imaginaire est avant tout une comédie qui utilise tous les ressorts comiques traditionnels  :

• Le comique de mots , notamment avec le latin de cuisine lors du 3 ème intermède qui n’a rien à voir avec le latin spécialisé du vocabulaire médical.
• Le comique de répétition dans l’affrontement entre Toinette et Argan à propos du mariage d’Angélique et de la menace de la faire entrer dans un couvent : «  – Non ? – Non ». Ou lorsque Toinette se déguise en médecin et répète le diagnostic «  Le poumon  » quel que soit le symptôme énoncé par Argan.
• Le comique de caractère , avec des personnages types et caricaturaux : Argan le barbon hypocondriaque, Toinette, la servante insolente.
• Le comique de situation , notamment dans le troisième intermède lorsque Argan est fait médecin dans « Une cérémonie burlesque » où alternent récits, latin improvisé, chants et danse qui n’ont pas grand-chose à voir avec une soutenance de thèse de médecine.

Le trait est également satirique  : les médecins sont caricaturaux et l’ironie de Toinette bouscule la hiérarchie sociale entre maîtres et servants (« Quand un maître ne songe pas à ce qu’il fait, une servante bien sensée est en droit de le redresser. » I,5)

Que signifie le parcours « Spectacle et comédie » ?

Spectacle et comédie sont intimement imbriqués dans Le Malade imaginaire .

Cette comédie-ballet offre en effet un spectacle total qui mêle chants, danses et musique. Mais les intermèdes ne sont pas des ajouts superflus pour divertir le spectateur :  ils sont intimement liés à l’intrigue et accentuent son effet comique .

Par ailleurs, cette comédie s’appuie sur le procédé de théâtre dans le théâtre  : tout au long de la pièce, les personnages organisent des spectacles dans le spectacle, multipliant là aussi le plaisir comique.

La comédie-ballet : un spectacle total

Le Malade Imaginaire est fondé sur le spectacle et la comédie.

La comédie-ballet est le creuset de trois arts très prisés à la cour de Louis XIV : l’art dramatique, le chant et la danse.

La pièce alterne donc entre une intrigue de théâtre et des pièces chantées ou dansées.

Mais les moments chantés et dansés sont rigoureusement liés à l’intrigue  :

• Le prologue évoque la gloire de Louis XIV et annonce le thème de la pièce en chantant les amours de bergers et bergères.
• Le premier intermède reprend le motif de l’amour malheureux avec Polichinelle qui chante son amour pour Toinette dans une scène de Commedia dell’Arte.
• Le deuxième intermède, avec les Égyptiens déguisés en Mores, place la question du mariage au cœur de l’intrigue : «  Quel parti faut-il prendre / Pour nos jeunes cœurs ? »
• Le troisième intermède revient sur la satire de la médecine . Argan est intronisé médecin dans une atmosphère de danse et de chant avec des docteurs qui parlent un latin de cuisine comique.

Le Malade imaginaire est de ce point de vue un véritable spectacle qui stimule les sens auditif et visuel et convoque plusieurs arts pour la satisfaction de la cour et du spectateur contemporain.

Le théâtre dans le théâtre : des spectacles dans le spectacle

Dans cette pièce, le spectacle est aussi celui qu’organisent les personnages eux-mêmes.

Toinette est, de ce point de vue, le metteur en scène de nombreuses scènes de théâtre dans le théâtre . La plus frappante est la mise en scène de la fausse mort d’Argan qui permet de démasquer la vénalité de Béline et de révéler la loyauté d’Angélique.

Béralde joue le rôle d’ organisateur de spectacles car c’est souvent lui qui introduit les intermèdes, comme lorsqu’il annonce les danseurs mores pour calmer la colère d’Argan : «  Je vous amène ici un divertissement que j’ai rencontré, qui dissipera votre chagrin ».

Plus généralement, le procédé de théâtre dans le théâtre est abondamment utilisé dans la pièce, par exemple lorsque Louison fait semblant d’être morte, quand Cléante et Angélique se déclarent leur amour à travers un opéra improvisé, quand Toinette se déguise en médecin ou lorsque Molière se met lui-même en abyme dans l’échange polémique entre Argan et Béralde : « ARGAN – C’est un bon impertinent que votre Molière avec ses comédies  » (III, 3).

Ces procédés de mise en abyme accentuent l’effet comique car ils donnent une légèreté à la pièce et dédramatisent l’intrigue.

Spectacle et comédie se répondent donc dans le Malade Imaginaire . La comédie-ballet crée un système cohérent qui correspond parfaitement à l’esprit de cour de l’époque et à l’idéal classique de plaire et instruire.

Tu étudies Le Malade imaginaire de Molière ? Regarde aussi :

♦ Le Misanthrope : résumé ♦ Tartuffe [Fiche de lecture] ♦ L’école des femmes [Fiche de lecture] ♦ Dom Juan : résumé ♦ Les Fausses confidences, Marivaux [Fiche de lecture] ♦ Cyrano de Bergerac, Rostand [Fiche de lecture] ♦ Juste la fin du monde, Lagarce [Fiche de lecture] ♦ L’illusion comique, Corneille [Fiche de lecture] ♦ Knock, Jules Romains [Fiche de lecture]

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Qui suis-je ?

Amélie Vioux

Je suis professeur particulier spécialisée dans la préparation du bac de français (2nde et 1re).

Sur mon site, tu trouveras des analyses, cours et conseils simples, directs, et facilement applicables pour augmenter tes notes en 2-3 semaines.

Je crée des formations en ligne sur commentairecompose.fr depuis 12 ans.

Tu peux également retrouver mes conseils dans mon livre Réussis ton bac de français 2024 aux éditions Hachette.

J'ai également publié une version de ce livre pour les séries technologiques ici.

22 commentaires

Bonjour merci beaucoup pour tous vos conseils, selon vous, quelles sont les 10 répliques les plus importantes du malade imaginaire ? des répliques incontournable pour argumenter une dissertation ? merci beaucoup

Bonjour ! Mon professeur de français nous demande une dissertation dont le sujet est : “En quoi peut-on dire que le théâtre lui-même se donne en spectacle dans Le Malade imaginaire ?” Si je comprends bien il faut que je parle des mises en abymes et probablement des intermèdes et des costumes mais je ne sais pas comment les introduire dans ma dissertation de type thématique. Pourriez vous me donner quelques conseils ?

Bonjour, il me manque l’acte 1, scène 2 et l’acte 3, scène 4. Ce serait pour savoir si cela est possible de également les faire.

Merci pour votre livre bac 2022. Il permet à mon fils de mieux appréhender ses futures épreuves et à moi même de pouvoir comprendre ce qui l’attend, tout ça dans un style abordable et avec une touche d’humour. J’espère qu’il s’en sortira au bac…. Mais il y travaille et pour lui ce sera le malade imaginaire à l’oral. Merci encore.

bonjour , quel est le contexte historique du malade imaginaire svp

Tu trouveras toutes les réponses dans ma fiche et dans ma vidéo !

Bonjour merci pour cette analyse. J’ai un sujet de dissertation qui me demande de quoi le malade imaginaire nous guérit. Je comptais parler du côté hypocondriaque de l’être humain?

Bonjour je dois parler de l’utilisation de la tragédie dans le Malade imaginaire. Que puis-je dire la dessus

Bonjour Adam, J’ai rédigé un corrigé de dissertation sur ce thème dans mon livre « Réussis ton bac de français » aux éditions Hachette. Je te conseille de te le procurer pour approfondir ta séquence. Bon courage !

Bonjour, mon prof m’a donné un sujet sur les « diverses professions des hommes », c’est-à-dire les différents statuts sociaux, dans une comédie-ballet comme « Le Malade Imaginaire ». Il veut un plan détaillée mais je n’étais pas là pour savoir comment en faire pour des raisons médicales et le seul exemple que j’ai est un plan dialectique… Auriez vous des idées de sujets à aborder là-dessus, je ne pense qu’à la confrontation entre Argan et Toinette sur ce sujet. Merci

Bonjour, je dois trouver le contexte de création et de représentation mais je n’y arrive pas pourriez vous m’aider s’il vous plaît ?

Salut! Je dois faire un rapport de recherche sur Le malade imaginaire en classe de 5ieme. Comment pouvez-vous m’aider à bien élaborer mon plan de recherche et faire une bonne démarche?

Bonjour Je dois faire un commentaire sur l’acte scène 4 du malade imaginaire mais je n’arrive pas à trouver la problématique et du coup les sous parties. Pouvez vous m’aider ? Merci d’avance

Bonjour j’ai un paragraphe argumenté à faire , la problématique est la suivante : comment Molière avec le malade imaginaire met-il en scène le spectacle de la maladie , auriez-vous une idée de plan s’il vous plaît 🙂

Avez-vous des mises en abyme sur la pièce ?

Ta question n’est pas claire. Veux-tu dire « Avez-vous des exemples de mise en abyme dans la pièce ? ». Si telle est ta question, j’y réponds bien dans ma fiche de lecture et dans la vidéo où je vous donne de nombreux exemples de mises en abyme dans Le malade imaginaire . Ils sont légion !

Bonjour j ai une dissertation en francais et ma problématique est: en quoi la pièce du malade imaginaire est t elle une pièce noire ? Et je voulais savoir si vous aviez des idées. Merci !

Tu pourrais notamment te demander ce que signifie le mot « noire » ici, quel est son sens, son utilisation ? Le but est de comprendre le sujet en essayant de le transformer pour mieux le traiter.

Bonjour, j’ai une dissertation sur Le Malade imaginaire mais je ne comprends pas bien le sujet : Pourquoi peut-on dire que Le Malade imaginaire nous propose une mise en abyme de la notion de spectacle ? La notion de spectacle représente uniquement le spectacle dans la pièce ou bien la pièce en général. Merci

La notion de spectacle signifie l’idée de spectacle en général (le spectacle comme notion, comme idée)

Bonjour, que me propose-tu comme lecture cursive, si je prend celui-ci en texte initial ? Merci d’avance, belle journée !

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Étude approfondie : Le Stratagème au Théâtre, une Dissertation

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=== Le théâtre, qui est l’une des plus anciennes formes d’expression artistique, est régi par une multitude de techniques et de stratégies. Parmi ces techniques, l’utilisation du stratagème occupe une place de choix. Le stratagème, en tant que technique dramatique, est un feint ou un tour conçu pour surprendre, tromper ou déjouer un adversaire. Il ajoute une couche de complexité et de surprise à la trame narrative, et il est souvent utilisé pour créer des retournements inattendus et des climax dramatiques. Dans cet article, nous allons explorer en profondeur le rôle du stratagème dans le théâtre et analyser divers stratagèmes utilisés dans le théâtre.

Comprendre le Rôle Pivotal du Stratagème dans le Théâtre

Le stratagème, dans le contexte du théâtre, sert à propulser l’intrigue et à créer une tension dramatique. Il est souvent utilisé pour manipuler les personnages et le public, ce qui peut renforcer l’effet dramatique. Le stratagème peut prendre de nombreuses formes, qu’il s’agisse d’un personnage qui dissimule son identité, d’un complot secret ou d’un rebondissement inattendu de l’intrigue. Dans tous les cas, le stratagème vise à surprendre et à déstabiliser, offrant ainsi une expérience de théâtre plus immersive et captivante.

En outre, le stratagème joue un rôle crucial dans le développement des personnages. En utilisant des stratagèmes, les auteurs peuvent dévoiler des aspects cachés de la personnalité d’un personnage, ou exposer des contradictions internes. Cela crée une profondeur psychologique, rendant les personnages plus réalistes et plus attrayants pour le public. Par conséquent, non seulement le stratagème contribue à l’intrigue globale, mais il joue également un rôle déterminant dans la construction des personnages.

Enfin, le stratagème est un outil puissant pour explorer des thèmes plus larges et des questions philosophiques. Par exemple, l’usage du stratagème peut soulever des questions sur la nature de la vérité et de la réalité, la moralité et l’éthique, et la manipulation et le pouvoir. Ainsi, alors qu’à première vue, le stratagème peut sembler n’être qu’un simple dispositif d’intrigue, il peut en réalité servir de véhicule pour explorer des concepts plus profonds et plus significatifs.

Analyse Pédagogique de Divers Stratagèmes Utilisés au Théâtre

L’une des formes les plus courantes de stratagème dans le théâtre est le déguisement ou la dissimulation d’identité. Ce stratagème est utilisé pour créer une tension dramatique, car il peut conduire à des malentendus, des quiproquos et des révélations surprenantes. Un exemple classique de ce stratagème peut être trouvé dans la pièce de Shakespeare, "Twelfth Night", où le

Un autre stratagème couramment utilisé dans le théâtre est le complot ou la conspiration. Ce stratagème est souvent utilisé pour créer une sensation de suspense et de danger, car les personnages doivent naviguer dans un monde rempli de tromperies et de trahisons. Par exemple, dans "Macbeth" de Shakespeare, le personnage éponyme conspire pour assassiner le roi, ce qui entraîne sa chute tragique.

Enfin, le stratagème peut également prendre la forme d’un rebondissement inattendu de l’intrigue. Ce stratagème sert à choquer et à surprendre le public, en renversant leurs attentes et en créant un sentiment de surprise. Par exemple, dans la pièce "Oedipus Rex" de Sophocle, le personnage principal découvre qu’il a involontairement tué son propre père et épousé sa mère, ce qui constitue un retournement de situation choquant et inattendu.

=== En conclusion, le stratagème est une technique puissante et polyvalente dans le théâtre. Il sert à propulser l’intrigue, à développer les personnages et à explorer des thèmes plus larges. Par l’analyse des divers stratagèmes utilisés dans le théâtre, nous pouvons mieux comprendre comment ils contribuent à l’effet dramatique global et comment ils peuvent être utilisés pour créer une expérience de théâtre plus riche et plus captivante. En fin de compte, le stratagème est un élément essentiel de l’art du théâtre, qui enrichit la narration et ajoute une dimension de surprise et d’incertitude à l’expérience du théâtre.